La Roque d'Antheron 2002

Chroniqueur: Gaspar Ythier

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Comme l'an dernier, je viens de consacrer quinze jours à une activité 

principale : écouter du piano. Plus de vingt pianistes différents, 

entendus en direct, dans les répertoires les plus variés, à la Roque 

d'Anthéron. Comme l'an dernier aussi, j'étais toujours bien placé, et 

je n'ai rien manqué, ni avec les yeux, ni bien sûr avec les oreilles. 

Comme l'an dernier enfin, je livre ici mes impressions, pour ceux que 

cela intéresse.

Inutile de répéter encore une fois que mon admiration pour TOUS ces 

artistes est acquise a priori ; il va sans dire par conséquent que 

les jugements sévères que je peux émettre ici ou là envers tel ou tel 

ne remettent rien en cause de leur talent, mais expriment simplement 

des préférences très personnelles (ainsi qu'un goût pour ce genre de 

polémiques inoffensives) J'essaierai d'être aussi précis que 

possible, d'argumenter au maximum et d'expliquer mes prémisses (qui 

sont assez faciles à démasquer), afin que chacun puisse déceler ce 

qui vient de moi, et moduler ainsi éventuellement mes verdicts 

Cela précisé, allons-y :

J'avais raté les années précédentes le récital  doublé  que Sokolov 

a pris maintenant l'habitude de donner fin juillet au temple 

protestant de Lourmarin, à quelques encablures de la Roque (pas de 

plein air évidemment pour lui, l'idée que ses sonorités puissent 

s'échapper sans retour en direction des cigales devant lui être 

rigoureusement insupportable) Cette fois, je me suis donc débrouillé 

pour être présent dans la région le 23 juillet. 

D'abord, l'assistance semble un peu différente de celle des autres 

concerts : moins de vacanciers, beaucoup d'habitués, certains 

évoquant même le récital identique (quant au programme) donné au même 

endroit trois jours plus tôt  Sokolov a ses fans ! On sait qu'un 

programme de ce pianiste comporte toujours trois parties (il se 

renouvelle  par tiers  tous les quatre mois). Cette année, ce sera 

donc Haydn, Komitas et Prokofiev.

20 heures : toujours pas l'esquisse d'un sourire ; pas même un regard 

pour le public L'homme paraît presque difforme à première vue, et il 

faut attendre qu'il s'assoie (en position très haute, son tabouret 

est même surélevé) pour qu'on le sente enfin bien à son aise : le 

piano, voilà indiscutablement son (seul) élément. Et très vite c'est 

le choc, subi du reste à l'identique à chacune des ses apparitions : 

on s'attend devant cette masse imposante à une déflagration, or les 

premières secondes laissent entendre des pianissimos improbables, 

d'une profondeur et d'une richesse inouïes. La sophistication de la « 

mécanique pianistique » est poussée ici à un degré peut-être jamais 

égalé, il n'est pas une note qui n'ait été pensée pour elle-même, pas 

une note qui ne soit choyée La gamme des attaques, des dynamiques et 

des couleurs semble infinie.

Alors certes  et c'est ce qu'on lui reproche souvent , la 

communication avec l'extérieur (et peut-être même avec le 

compositeur !) n'est pas évidente à saisir C'est une approche 

musicale limite autistique ! Comment Haydn envisageait ses uvres, 

comment elles sonnaient à l'époque, Sokolov n'en a cure : ce qui 

l'intéresse, c'est le texte qui lui est parvenu ; l'important, c'est 

l'écriture pianistique, ces notes qu'il articule, ces phrases qu'il 

bâtit, élément après élément. Il est arrivé par le passé (dans 

Beethoven, dans Mozart) que j'en arrive à avoir du mal à suivre la 

ligne générale à force d'être en permanence contraint d'écouter en 

détail le moindre des petits motifs de la partition. Ce fut cependant 

moins le cas cette fois-ci, ces trois sonates de Haydn, enchaînées 

sans applaudissements, étant même d'une cohérence assez stupéfiante. 

On aura du mal à me croire, et pourtant c'était presque fluide, même 

s'il fallait quand même mieux oublier par exemple le chant sublime 

d'Horowitz dans l'adagio la sonate en fa majeur (n° 38  Carnegie 

Hall, 1966) Le lyrisme de Sokolov est évidemment tout autre, et 

les « facilités mélodiques », il les laisse de bonne grâce à ceux qui 

n'ont que cela à faire valoir ! Toute trivialité est radicalement 

bannie du jeu de cet homme, qui nous fait découvrir des choses 

nouvelles  mais présentes dans la partition !  quoi qu'il arrive. 

Pas d'effets, pas d'originalité pour l'originalité, mais un texte 

fouillé toujours au plus profond. Le résultat, c'est que ce Haydn, 

ainsi poussé dans ses derniers retranchements, laissait davantage 

apparaître ses limites (harmoniques) que ses innovations (pourtant 

nombreuses) Plein d'idées merveilleuses, certes, mais je me suis dit 

qu'heureusement que Beethoven était arrivé pour faire exploser ce 

carcan ! 

Vient ensuite Komitas et ses danses folkloriques arméniennes. On 

reste bien sûr hypnotisé par ces sonorités envoûtantes et ces rythmes 

lancinants, mais également un peu incrédule devant l'abnégation et la 

foi de notre pianiste : faut-il en vérité qu'il soit gravement 

obsessionnel pour répéter ainsi une année durant, lors de chacun de 

ses récitals, ces six danses elles-mêmes très répétitives ! Mais 

enfin, sûrement y trouve-t-il, comme ailleurs du reste, des choses 

qui échappent au commun des mortels que nous sommes

Prokofiev enfin, avec la septième sonate. Que dire ? D'abord, on 

entendit quasiment tout, malgré une acoustique très exagérément 

réverbérée  ce qui rehausse encore, ô combien, les mérites de la 

performance (quelle maîtrise de la pédale !) Quant à l'interprétation 

elle-même, d'une absolue perfection formelle, on y trouvait du 

lyrisme, du rebond, et naturellement une violence terrible  

terrifiante, même  et pourtant jamais dure, toujours contrôlée (le 

tempo était, comme il se doit avec un tel son, raisonnable). 

Résultat : un véritable cataclysme. Faramineux ! Une version vraiment 

en tout point digne des deux géants (Richter et Gilels) auxquels 

Prokofiev avait confié la création des ses trois « sonates de 

guerre »  ce qui veut tout dire. Le public a ouvert grand les yeux 

(car il fallait voir ça !), coupé sa respiration, et terminé en 

sueur, abasourdi, mais irrémédiablement conquis. Et ce fut l'ovation, 

debout, comme à chaque fois avec Sokolov (qui ne sourit pas pour 

autant).

En bis, deux Couperin (dont « Le Tic Toc Choc ou les maillotins »), 

Chopin (une mazurka splendide), et enfin le petit prélude de Bach-

Siloti, popularisé en son temps par Gilels, lui qui clôturait si 

souvent ses concerts en sa compagnie

Sûrement Sokolov est-il fou (je crois qu'il est en réalité 

complètement schizophrène), mais il n'en est pas moins un pianiste 

complètement unique, génial ; un pianiste rigoureusement adversaire 

de tout effet, et de toute concession. Je comprends qu'on reste 

sceptique à l'occasion devant un de ses disques, tant ses conceptions 

sont personnelles et exigeantes pour l'auditeur ; ne pas être « 

pris » en revanche lors d'un récital de ce phénomène, surtout si l'on 

est bien placé, j'affirme que c'est impossible ! Avis donc aux 

amateurs

Contexte très différent pour mon retour sur place dix jours plus 

tard, le 4 août : retrouvailles avec le parc du château de Florans 

pour une soirée tchèque avec l'orchestre Philharmonia de Prague sous 

la direction de Jiri Belohlavek. Deux courts concerts, deux solistes 

français : Claire Désert puis Emmanuel Strosser.

Le premier concert à 20 heures débute par la sérénade pour cordes de 

Josef Suk  grand-père de l'autre. L'uvre, de jeunesse, n'est pas 

captivante (elle imite beaucoup  sans jamais l'égaler  la si 

charmante sérénade de son beau-père et modèle Dvorák), mais 

l'orchestre la fait passer avec beaucoup de charme. Comme avec tout 

ensemble tchèque de qualité (et c'est la même chose avec les 

formations de chambre), on est transporté dans la campagne de 

Bohème : verdeur des attaques, fruité des cordes, verve des rythmes, 

il n'y a aucun doute ni quant à l'origine de la musique, ni quant à 

celle de ses interprètes (la spécificité de leur langue, sans doute)

C'est donc parfaitement immergés dans le pays qu'on accueille ensuite 

Claire Désert pour le rare concerto de Dvorák, que j'entendais en 

direct pour la première fois et que je connais mal (je n'ai que la 

version studio de Richter qui, il faut bien le reconnaître, est 

lourde et assez peu dans l'esprit  mais il est vrai que les Russes 

jouent assez mal la musique tchèque en général) Heureusement Claire 

Désert, « malgré » ses années passées à Moscou, est nettement plus en 

situation  elle a du reste déjà enregistré l'uvre ; elle s'intègre 

même à merveille dans l'orchestre, fait chanter son instrument autant 

qu'il est possible, et trouve des sonorités magnifiques (il faut la 

voir se cabrer, se projeter tout au fond des touches, utiliser au 

maximum la masse de son corps : là, pas de doute, on sent les 

bénéfices du séjour moscovite !) C'est tout juste si j'ai noté un 

certain manque de puissance  car la pauvre n'est pas bien lourde et 

se refuse absolument à « cogner » , particulièrement à la main 

gauche dans quelques passages parmi les plus ardus (rappelons que 

Richter prétendait que ce concerto était le plus difficile de tous) 

Si déception il y eut, elle fut donc davantage liée à l'uvre qu'à 

l'interprétation : c'est comme si ce bon Dvorák s'était un peu égaré 

dans son désir de solliciter la virtuosité de son soliste, au 

détriment de sa légendaire inspiration mélodique. Mais enfin, il 

faudrait réécouter ce concerto encore et encore avant de porter un 

jugement trop définitif En bis, un prélude de Rachmaninov confirmait 

les talents de cette Claire Désert, qui m'avait déjà énormément 

séduit lors d'une intégrale Beethoven  partagée entre six pianistes 

 au cours de laquelle elle avait offert une des plus belles « 

Tempête » qu'il m'a été donné d'entendre.

Le second concert débutait par une autre uvre de jeunesse : la Suite 

pour cordes de Janácek. Le texte du programme affirmait qu'il 

s'agissait là d'une partition mineure dans laquelle on ne sentait pas 

encore le génie de son auteur  ce qui ne m'a pas empêché de trouver 

ça magnifique Une musique toujours inspirée, très pure, sans 

trivialité ; et là encore, l'orchestre nous a offert un beau voyage 

en Moravie

Paradoxalement, la suite du programme m'a laissé beaucoup plus 

sceptique (concertino pour piano et six instruments du même 

Janácek) : il faut dire que le piano de Strosser évolue dans la 

grisaille, entre platitude et brutalité. Résultat  le piano ayant 

ici un rôle primordial , ça ressemblait plus à du mauvais Stravinsky 

qu'à un chef-d'uvre (annoncé) de Janácek

Enfin, pour finir, le double concerto pour cordes, piano et timbales 

de Martinu : l'orchestre, divisé en deux, est cette fois-ci au grand 

complet, et le piano est installé, sans couvercle, en plein milieu 

(Strosser fait face au public). Voilà une pièce terrible, tendue à 

l'extrême, angoissée, violente, qui ne laisse aucun répit (nous 

sommes en 1939) Cette fois, reconnaissons-le, si le piano de 

Strosser ne m'a toujours pas procuré d'émotions extraordinaires, il 

ne m'a pas trop dérangé non plus ; mais c'est l'orchestre et son chef 

qui emportèrent le morceau, grâce à un engagement et à une virtuosité 

(presque) exemplaires  et toujours sans lourdeur. Y a-t-il eu un 

bis ? Sans doute mais, désolé, je n'en garde plus aucun souvenir Ce 

fut en tout cas, dans l'ensemble, une très belle soirée.

Je n'ose à peine évoquer  surtout ici !   le concert du lendemain 

Même orchestre, même chef, mais dans Mozart cette fois-ci ; et avec 

un certain Nikolaï Lugansky en soliste Il y eut en effet un très 

léger contretemps : j'étais bien sur place, à la Roque, à l'heure 

prévue  et avec mon billet en poche ! , mais les musiciens étaient 

eux à l'Étang des Aulnes, tout à côté d'Arles ! Une délocalisation 

sournoise qui ne m'a laissé aucune chance ! Pas moyen en effet de 

passer en gros du Lubéron à la Camargue en moins d'une demi-heure 

Tout ce que je peux donc vous dire, c'est que mes amis  qui m'ont 

attendu en vain ont trouvé ça superbe (surtout le piano !) Et il 

paraît que le final du concerto a été bissé Voilà, voilà 

Inutile de préciser que je m'en suis voulu quasiment toute la nuit 

Heureusement que le festival était encore long !

Le lendemain, la Roque accueillait Stephen Kovacevich, que j'ai déjà 

entendu deux fois et que je n'aime guère (je pense qu'il était plus 

intéressant dans sa jeunesse). Or, un certain Vadim Rudenko donnait 

le même soir un récital dans le cadre d'un autre  modeste  

festival, près d'Avignon, au pied du Mont Ventoux Pas d'hésitation, 

je pris donc la direction de Séguret, un petit village provençal 

classé au patrimoine, mais tellement restauré qu'on dirait maintenant 

une crèche de noël grandeur nature  y a-t-il seulement de vrais 

habitants ? Le choix à l'évidence était le bon (vu les échos de 

récital de Kovacevich), sauf que j'aurais manifestement dû quand 

même me rendre dans l'après-midi à la Roque  ç'eut été fort 

possible  pour écouter Francesco Libetta, cet italien des Pouilles, 

paraît-il génial, qui a impressionné tout son monde Second raté en 

deux jours, par conséquent À réparer d'urgence l'année prochaine !

Cela dit, un récital de Vadim Rudenko, dans des conditions de 

visibilité et d'écoute quasi idéales (juste devant les mains), ça 

devait suffire largement à combler ma journée : n'était-ce pas celui 

qui m'avait peut-être le plus séduit, entre tous, l'an dernier ? Le 

programme sera un panaché entre celui de la Roque de cette année  à 

venir (les douze premiers préludes de Chopin et le second cahier des 

variations Paganini de Brahms), et celui de l'an dernier (les quatre 

premiers moments musicaux de Rachmaninov et la transcription de « 

Casse-Noisettes » due à Pletnev). 

Rudenko arrive sur place une demi-heure avant le concert, et semble 

découvrir les lieux, un rien intrigué (une jolie place ombragée, avec 

un « toit », assez bas, tissé de branches de platanes centenaires  

et une vue béante sur la vallée). S'est-il seulement échauffé ? 

Qu'importe ! Il attaque des préludes de Chopin qui sont comme des 

fusées, des éclairs lancés dans beau ciel provençal. Pas 

particulièrement rapides, de facture même plutôt classique, très 

chantés, mais sans aucun appesantissement, sans sentimentalisme, sans 

la moindre « psychologie » Les facilités pianistiques ahurissantes 

accentuent encore cette impression (les quelques  rares  « 

canards » du début, « on s'en tape », comme disait Richter !) : une 

minute, deux minutes, et hop, c'est fini ! Et moi, je me dis que 

c'est exactement ainsi qu'il faut jouer ces préludes  qui justement 

ne préludent rien du tout : des fulgurances poétiques ! L'arrêt 

abrupt après le douzième fut vraiment un crève-cur

Heureusement, il enchaîne tout de suite avec les Paganini ; et pour 

la première fois, j'entends dans ce second cahier autant de musique 

qu'on a l'habitude d'en entendre dans le premier : c'est d'une 

fluidité incroyable, ça chante de partout, il y a à la fois de la 

profondeur, du moelleux sonore, et un côté absolument aérien  

toujours ces mains caoutchouteuses qu'on dirait faites tout exprès 

pour le piano, et qui se jouent de tous les pièges de la partition 

avec insolence !

Après un court entracte, ce sera Rachmaninov : peut-être un peu 

moins « fini » que l'an dernier à la Roque, un peu moins dense, un 

peu plus dilettante  mais ça reste exceptionnel ! Enfin, « Casse-

Noisettes » nous rappelle que nous avons bien devant nous le champion 

toutes catégories de l'élasticité et du rebond (pour moi les 

qualités « pianistiques » les plus précieuses) Une vraie fête du 

piano dans cette transcription si bien écrite et si pleine de charme 

 le « pas de deux » final, joué ainsi, donne même des frissons de 

bonheur ! Pour prolonger le plaisir, j'ai réécouté en rentrant 

l'enregistrement du jeune Pletnev lui-même, et je peux vous affirmer 

que Rudenko se situe là-dedans un bon échelon au-dessus

En bis, le prélude op. 23 n° 7 de Rachmaninov (c'est tellement « 

facile » qu'on a envie de dire que c'est de la triche !), le premier 

impromptu de Chopin joué très vite, l'air de ne pas y toucher (on est 

loin des poses romantiques compassées !), et enfin le fameux prélude 

de Bach-Siloti cher à Gilels, amputé cette fois-ci de sa reprise 

(Sokolov, lui, avait attaqué cette reprise en élidant la toute 

dernière mesure).

Comme on était dans le cadre du festival « Musiques dans les 

vignes », était organisée après le concert une petite dégustation de 

vins de pays  avec modération bien sûr, restait quand même 150 

kilomètres de route pour rentrer se coucher ! On est donc en pleine 

conversation, un verre à la main, tous émerveillés par ce qu'on vient 

d'entendre, lorsque Rudenko fait son apparition, toujours aussi 

modeste et « détaché ». Il paraît même si disponible que je m'en vais 

le féliciter et fais l'effort, dans mon anglais déplorable (vive 

l'alcool !), de lui demander si le choix du Bach-Siloti était un 

hommage à Gilels. « It's my favourite ! », me répond-il, le visage 

soudain illuminé. Voilà qui ne m'étonne guère

Le mercredi 7 août, je réintègre le festival « officiel » pour 

d'abord écouter, à 18 heures, une jeune Vénézuélienne du nom de 

Gabriela Montero. Il y a bizarrement cette après-midi-là une 

affluence quasi record pour un récital diurne Cette jeune femme, qui 

appartient à l'« écurie » d'Argerich, serait-elle un prodige méconnu 

de moi ? Las ! Bien vite, je retombe sur terre : les chefs-d'uvre de 

Chopin s'enchaînent (polonaise-fantaisie, première ballade, deuxième 

sonate) sans qu'on ne n'y intéresse vraiment. Tout est bien fait, la 

technique est « propre » (même s'il s'agit d'une technique tout ce 

qu'il y a de plus « digitale »), mais ça ne dit pas grand-chose Je 

finis même par m'ennuyer gentiment  c'est qu'à force d'écouter les 

plus grands (je sais, c'est horrible !), je deviens de plus en plus 

exigeant et ne supporte plus le « lot commun » Le récital devait 

initialement s'achever par la polonaise « héroïque » op. 53, mais 

notre sympathique pianiste, qui arbore des « formes » charmantes, 

s'avance soudain vers nous et déclare, en français : « c'est pas la 

même chose de jouer du piano enceinte et pas enceinte, alors comme je 

suis un peu fatiguée, je ne vais pas jouer la polonaise, mais plutôt 

improviser quelque chose ». On aura alors droit à une « fausse » 

mazurka de Chopin, puis à une espèce de danse populaire sud-

américaine Personne évidemment ne lui tiendra rigueur de ce 

changement de programme, qui eut même plutôt le mérite de rompre la 

monotonie qui commençait sérieusement à s'installer

Ce n'est que le soir que je devine les motivations de la foule qui 

s'était pressée au concert de l'après-midi (outre le fait que 

Gabriella Montero avait paraît-il fait un joli petit numéro la veille 

sur France-Musiques, en improvisant, déjà, en direct, et à la demande 

du public inspiré, sur Carmen !) : les gens sont venus en masse 

aujourd'hui pour Nelson Freire ! Je remarque en effet une « faune » 

très « parisienne », à l'évidence déplacée jusqu'ici par les récentes 

critiques dithyrambiques, quasi surréalistes, qui ont consacré son 

nouveau disque Chopin, ainsi que son dernier récital parisien Vous 

l'aurez deviné, je ne suis pas moi-même très « fan ». Jamais Freire 

sur scène ne m'a réellement « transporté », ni d'ailleurs seulement 

convaincu ; quant à son dernier disque, je le trouve, pardonnez-moi, 

presque mauvais (j'y entends beaucoup de complaisance, et même des 

faiblesses « objectives » : plein de « trucs » pianistiques, des 

escamotages, etc.) Mais enfin, passons, là n'est pas le sujet du 

jour 

En effet, ce bon Nelson étant indisposé, c'est Boris Berezovsky qui 

le remplace ce soir, au grand dam, donc, on s'en doute, d'une partie 

du public (les plus snobs !) J'entends ainsi un de mes voisins, alors 

que la speakerine exhorte la foule à éteindre ses téléphones 

portables, s'exclamer avec suffisance : « et pour le changement de 

programme, on ne s'excuse pas dans ce pays ! » Mais venons-en aux 

faits : Berezovsky Voilà un spécimen que je suis allé écouter 

plusieurs fois en musique de chambre, mais une seule fois en solo, il 

y a six ou sept ans à Lyon  et j'avais déjà trouvé ça 

extraordinaire. En revanche, j'ai parfois été déçu par certains de 

ses disques J'étais donc curieux, pour ne pas dire impatient, de ce 

que j'allais entendre

Il fait finalement son entrée en veste-blouson, l'air assez 

dilettante, et attaque une première sonate de Schumann (chef-d'uvre 

d'entre les chefs-d'uvre) presque orgiaque ! Le thème de 

l'introduction est joué avec colère  et même des sonorités 

(volontairement !) dures , puis nous aurons droit à tout un 

kaléidoscope d'humeurs, usant d'une palette pianistique proprement 

hallucinante. On aurait pu craindre, avec de tels risques pris, une 

déstructuration rédhibitoire dans cette sonate connue pour être si 

difficile à faire tenir debout, mais il n'en est rien : autant un 

Kissin, entendu dans la même uvre il y a quelques mois, se perdait 

littéralement à force de tenter tout et n'importe quoi (avec, en 

plus, des sonorités  involontairement !  dures), autant Berezovsky 

impose jusqu'à ses plus folles extravagances avec une autorité 

musicale confondante. Un jeu supérieurement inspiré, très lyrique, 

mais aux antipodes de tout « esthétisme »  défaut de Nelson Freire 

s'il en est La première partie se termine par la toccata, (presque) 

au même niveau.

Je suis tout remué, enthousiaste, tandis que je me rends à la buvette 

retrouver de vieilles connaissances de la capitale, et là, tout de 

suite, je suis accueilli par un : « qu'est-ce qu'il cogne, tu ne 

trouves pas ? » qui me laisse interloqué Et un autre de 

renchérir : « c'est pas de sa faute, c'est un moujik ! » (?!?) 

Misère, misère Mais avaient-ils seulement écouté quelque chose, tout 

à leur déception d'avoir été privés de leur « idole » brésilienne ? 

En tout cas, j'ai bien vite renoncé à ferrailler  ça n'en valait 

vraiment pas la peine , d'autant que j'aperçois subitement, juste à 

côté de nous, en train de discuter calmement, incognito, nos deux « 

inséparables », mes « idoles » à moi : Lugansky et Rudenko ! Je ne 

les avais pas vu arriver au début du concert, mais ils sont 

évidemment bien présents, Lugansky toujours aussi royal (il se dégage 

décidément de cet homme une sorte d'« invulnérabilité » 

impressionnante), et Rudenko, qui à coté fait nettement plus « 

peuple », avec son polo rayé tout froissé et sa cigarette au bec 

(celui-là cache vraiment bien son jeu !) Ils parlent en tout cas 

manifestement de musique, Nikolaï, très pince-sans-rire avec ses 

petites lunettes, étant en train de mimer avec ses mains des phrasés, 

à la grande joie de Vadim qui a l'air de beaucoup s'en amuser Mais 

je ne les « espionne » pas trop longtemps, et m'en vais vite 

retrouver ma place dans l'amphithéâtre. 

Aujourd'hui, c'est le jour de Boris, et la seconde partie sera 

consacrée à Chopin : les deux premiers scherzos et les études op. 10, 

rien que ça  je rappelle qu'il s'agit d'un remplacement impromptu de 

dernière minute Berezovsky serait-il un peu provocateur (ce qui ne 

m'étonnerait pas) ? En tout cas, après avoir « effrayé » 

l'assistance avec son Schumann tellement personnel et « moderne » (il 

ne nous a épargné aucune dissonance !), il va nous offrir le Chopin 

le plus incontestable qui soit, de quoi faire taire une fois pour 

toutes la cohorte de ses détracteurs présente dans les travées (j'ai 

bien fait, moi, de rester calme pendant l'entracte) Passe encore 

pour les scherzos, certes fantastiques (dans tous les sens du terme), 

mais non sans encore quelques « excentricités » (comme par exemple 

ces montées jouées pianissimo  et un « vrai » pianissimo !  dans 

l'op. 20) Les études, elles, en revanche, sont indiscutables ! 

Jamais je crois je n'ai entendu mieux, même sur disque. Dès les deux 

premières en fait, l'affaire est entendue : ça chante de façon 

éperdue sans jamais que la mélodie ne soit sollicitée pour elle-même, 

on a l'impression d'entendre ce qui se passe dans les « entrailles » 

de la musique, c'est inouï. La quatrième n'a jamais semblé aussi « 

facile », la « négresse » est un petit poème qui se termine en feu 

d'artifice, la sixième, la neuvième, ou encore la onzième nous tirent 

des larmes, jusqu'à la « révolutionnaire » finale, dont les gammes « 

roulent » tout en nous racontant des histoires merveilleuses C'est 

fabuleux ! Berezovsky est en fait d'une telle décontraction qu'il 

peut sortir les sonorités qu'il veut et moduler les phrases 

complètement à sa guise, au gré d'une inspiration qu'on devine 

inépuisable (car il n'y avait finalement pas tant de choses que ça en 

commun entre les deux parties du programme) J'ajoute une dernière 

grande qualité  et peut-être aussi la plus rare : il n'y a aucun 

volontarisme Mais alors strictement aucun ! On a réellement 

l'impression que le bonhomme ne veut rien, qu'il joue de la musique, 

un point c'est tout Que ça plaise ou pas, que son interprétation 

soit « orthodoxe » ou pas, ça ne semble pas être son problème ! Voilà 

un homme libre !

Après ce programme dantesque, même si j'imagine qu'il aurait pu, 

malgré un investissement physique qu'il ne ménage guère, encore 

enchaîner presque tranquillement avec l'op. 25 s'il l'avait voulu, 

nous n'eûmes droit qu'à deux bis, qu'il annonça lui-même, en 

français : « deux Rachmaninov, très nostalgiques » (il stoppa du 

reste immédiatement de la main les applaudissements spontanés qui 

retentirent entre les deux préludes, comme pour rappeler qu'il avait 

bien dit deux !) Et ce fut tout Lors de la séance de signatures, on 

trouvera René Martin tout excité, qui clamait à qui voulait 

l'entendre que cet homme était un génie (il faut dire qu'il lui avait 

bien « sauvé la baraque » : pour un remplacement, c'était pas mal !) 

Quant à moi, je n'ai heureusement plus entendu prononcer le nom de 

Nelson Freire

Bien qu'il fût assez tard, je n'ai pu m'empêcher en rentrant de 

ressortir le disque des études que Berezovsky a enregistré tout 

jeune, il y a maintenant dix ans. Eh bien, force est de reconnaître 

que ce n'est pas si mal ! Je dois même dire que je comprends beaucoup 

mieux aujourd'hui l'esprit de toutes ces choses qui me déplaisaient à 

l'époque Certes, je continue de croire que ce qu'il a fait l'autre 

jour, dans l'ensemble, était encore un cran au-dessus (un peu plus de 

stabilité rythmique) ; néanmoins, après quatre ou cinq nouvelles 

écoutes, je suis bien en peine maintenant d'opposer à ce disque un 

concurrent qui, sur la longueur, lui soit vraiment supérieur Comme 

quoi .

Le lendemain, jeudi 8 août, on restait dans Chopin avec à 18 heures 

le récital d'un tout jeune Coréen de dix-huit ans, récent vainqueur 

du concours Long-Thibaud : Dong-Hyek Lim. Ainsi va la Roque : un 

Coréen coincé entre Berezovsky et Lugansky  à venir le soir même 

Dieu sait que je n'ai pas vraiment d'a priori favorable envers les 

asiatiques dans la musique classique Eh bien, preuve que tout 

arrive : le Chopin de ce garçon, doté d'une « vraie » technique, 

avait pas mal de classe, des lignes toujours très bien tenues, et une 

tension constante. Jamais on n'avait le sentiment qu'il y avait 

quelqu'un derrière son dos pour lui souffler quoi faire : à 

l'évidence ce jeune homme sait où il va  et il ne fait pas n'importe 

quoi. Beaucoup de fougue, un style très conquérant, mais aussi un 

beau lyrisme, ainsi que quelques subtilités rythmiques de très bon 

goût (par exemple dans les mazurkas op. 59). Alors certes, le second 

scherzo ne faisait pas vraiment oublier celui de la veille  il lui 

reste encore une certaine marge ; et les préludes (n° 13 à 18) 

constituaient une suite seulement honorable pour douze premiers 

entendus l'avant-veille (avec Rudenko). Mais pour ce qui est de la 

troisième sonate, j'ai franchement déjà entendu pire  et souvent 

même (suivez mon regard par exemple vers un récent disque Decca 

recouvert de prix) Même si j'aime le premier mouvement un peu plus 

lent, avec davantage de drame, j'ai tout écouté, très concentré, sans 

en perdre une note  et sans jamais penser à aucune des grandes 

références discographiques. 

D'accord, il manque (encore) à ce petit Lim une véritable identité 

sonore ; il n'a pas, pour l'instant, cette capacité de procurer une 

émotion avec une simple note. C'est un piano qui reste un peu « 

clair ». Son Largo de la sonate gagnera ainsi probablement en 

profondeur au fil des ans. Mais bon, il a beaucoup d'autres 

qualités ! Des qualités (et des défauts) typiques de la jeunesse

En bis, après encore deux Chopin, dont une déjà longue polonaise  et 

devant l'insistance de la foule , il revient, un peu hésitant, et 

finit par se lancer dans la Valse de Ravel, dont on sait que la 

version pour deux mains est plutôt ardue ! Dix minutes plus tard, 

c'est pourtant un triomphe, et entièrement mérité : l'enthousiasme et 

la fraîcheur juvéniles, bien présents, n'ont jamais pris le pas sur 

l'essentiel, la clarté ne fut jamais prise en défaut, la progression 

a été fort bien menée jusqu'à la fin, quant à la réalisation 

proprement dite, elle fut impeccable  et même impressionnante ! 

Bravo !

Je vous livre quand même pour finir ce que nous apprenait le 

programme : ce petit Coréen a été envoyé à Moscou dès l'âge de dix 

ans, et a fait pratiquement tout son cursus au conservatoire 

Tchaikovsky Ceci explique peut-être cela !

Le temps d'avaler un délicieux tajine au restaurant marocain, 

toujours aussi bondé malgré l'absence de Martha cette année (le 

patron est confiant, elle reviendra  et bien sûr toujours chez 

lui !  dès l'an prochain), nous nous apprêtons à retrouver Lugansky 

(avec jamais que trois jours de retard pour ce qui me concerne)

Le programme cette fois tranche avec celui des années précédentes : 

Mozart, Beethoven, Brahms et Wagner/Lugansky. À part Mozart, il n'y a 

là que du nouveau pour moi sous ses doigts, et je ne suis d'ailleurs 

pas sans quelque inquiétude  surtout pour Beethoven La réponse (et 

quelle !) ne tardera guère  ça m'apprendra à douter !

Mais d'abord Mozart : je n'avais jusqu'alors entendu qu'une seule 

sonate  une des premières, je ne me souviens plus exactement 

laquelle , au théâtre des Champs-Élysées il y a quelques années, et 

j'avais déjà trouvé ça extraordinaire. Cette fois-ci, ce sera la 

dernière (K.533/494), en fa majeur, sans doute ma préférée d'entre 

toutes Lugansky entre sur scène pour une fois à l'heure dite (direct 

sur France-Musiques oblige), l'attitude toujours aussi princière  il 

semble vraiment évoluer dans un monde auquel nous n'avons accès que 

par son intermédiaire Dès les premières notes (signature des plus 

grands s'il en est  on peut pour le coup parler ici d'identité 

sonore !), je sens que la soirée va être mémorable : il y a dans ce 

Mozart tout ce que j'aime ! Toujours cette caractérisation extrême 

qui est le signe distinctif du pianiste, mais ce qui frappe surtout 

ici, c'est cette tension de tous les instants, et ce souci constant 

des phrases longues. Strictement rien de décoratif, mais de la 

conduite, du chant  et le tout naturellement sans aucune lourdeur 

Quel art des liaisons (plutôt que du legato), quel contrôle du son, 

quelle noblesse ! Si après ça il se trouve encore des gens pour 

contester à Lugansky le statut de pianiste majeur de notre époque, 

c'est vraiment à désespérer

En tout cas, allez savoir pourquoi, mais j'étais à ce moment précis 

déjà nettement moins inquiet quant à l'« Appassionata » à venir et 

j'avais bien raison ! Car il n'a pas fallu bien longtemps pour que 

Lugansky installe ce « cadre » indestructible qui fait les grandes 

interprétations beethovéniennes  quelques mesures en fait ont suffi. 

Qu'est-ce que ça m'a fait plaisir ! Je ne sais plus qui a écrit que 

cette sonate était « un torrent de feu dans un lit de granit », mais 

c'était exactement ça : nous avions d'emblée eu le granit, le feu 

n'allait pas tarder Aucune agitation plus ou moins extérieure pour 

autant, rien d'« électrique », pas l'ombre d'un effet, mais une 

puissance souterraine qui faisait surface par vagues successives 

Formidable !

Me voilà tout bouleversé devant cette « révélation » : Lugansky, en 

fait, est un grand classique ! Un grand classique qui joue 

Rachmaninov comme un dieu (à moins que Rachmaninov ne soit lui-même 

profondément classique  ce qui est finalement fort possible) Si 

j'ai mis tellement longtemps à m'en rendre compte, c'est que je l'ai 

entendu au tout début jouer Chopin de façon extraordinaire (en 

Avignon)  or Chopin est le compositeur le moins classique de tous 

Mais depuis, la chose m'apparaît de plus en plus évidente : Lugansky 

n'est sans doute pas un chopinien « naturel »

Pendant l'entracte, les rôles sont inversés : c'est cette fois Boris 

Berezovsky qu'on retrouve au milieu des spectateurs, tranquille, 

détendu et souriant, en train de discuter avec probablement son père 

(j'ai du moins vu cet homme impressionnant  un faux air de Peter 

Ustinov se présenter à la billetterie le soir du récital de Boris, 

et asséner un « famille Berezovsky ! », teinté d'un fort accent 

russe, qui a fait tressaillir notre brave guichetier).

Intéressant de remarquer que ces deux-là (Nikolaï et Boris) vont 

s'écouter comme ça l'un l'autre. Car si tous deux ont des facilités 

surnaturelles (ne serait-ce que la mémoire), si tous deux ont été 

distingués par le concours Tchaikovsky, si tous deux enfin  ce qui 

fut probablement très déterminant  ont été les élèves « chéris » de 

deux immenses dames du piano russe (Tatiana Nikolaeva pour l'un, 

Elisso Virsaladze pour l'autre), ils n'en sont pas moins à mon sens 

fondamentalement différents, car Berezovsky, lui, n'est sûrement pas 

classique (même s'il peut très bien aussi faire « semblant » : voir 

par exemple ses deux premiers concertos de Beethoven avec Dausgaard) 

Par ailleurs, autant Berezovsky a une technique absolument innée (on 

a le sentiment que le son lui a été « donné », a priori), autant 

Lugansky, lui, a dû, on le devine, conquérir lui-même beaucoup de 

choses  ce qui n'est pas moins merveilleux quand on voit le résultat

J'en étais là en tout cas de mes « divagations »  tout en observant 

donc discrètement Berezovsky qui, dans l'intervalle, avait eu le 

temps de s'« enfiler » deux énormes esquimaux chocolat-vanille bien 

crémeux (les « poignées d'amour », c'est excellent pour la 

sonorité !) , lorsque les lumières nous rappelèrent pour la suite : 

l'op. 118 de Brahms

J'imagine qu'à la radio en particulier, certains auront pu trouver ce 

Brahms un peu trop « objectif », un peu trop éloigné des ambiances 

nordiques que d'autres y ont mises Soit. Il est exact que le tempo 

était plutôt allant, et que tout était exceptionnellement lisible. 

Mais il y avait aussi une conduite par le son, riche et dense, ainsi 

qu'une maîtrise des plans sonores et de la ligne absolument 

admirables. Un Brahms très classique, en somme Ou si l'on préfère, 

un Brahms encore conquérant !

Enfin, la transcription wagnérienne Alors a-t-on réellement été 

plongés dans l'ambiance de ce fantastique « Crépuscule des Dieux » ? 

Imparfaitement bien sûr, par la force des choses. Mais là n'est pas 

problème  il n'y avait du reste aucun problème ! Car l'objectif de 

ces transcriptions, aussi bien écrites soient-elles (et celle-ci m'a 

paru remarquable, très bien construite et avec beaucoup de force de 

suggestion), n'est plus évidemment aujourd'hui, alors qu'on possède 

tous les enregistrements qu'on veut, de faire découvrir une uvre. 

Non, cet objectif est à présent devenu d'ordre strictement « 

pianistique » : il s'agit d'exploiter les ressources les plus nobles 

de l'instrument Et pour ça, on peut le dire, on a été servis ! Quand 

je dis que Lugansky a dû conquérir des choses, on en eut là un 

exemple parfait, avec cette volonté permanente de ne surtout jamais 

laisser d'espace entre le doigt et la touche du piano ; tout ce 

qu'explique si bien Neuhaus, cette nécessité de créer une chaîne, 

sans la moindre crispation, allant du bas du dos jusqu'au bout des 

doigts, Lugansky le met en application avec une grâce et une évidence 

bouleversantes. Chaque montée d'intensité en devient organique, 

surgie des profondeurs de l'instrument Placé juste devant, n'en 

perdant pas une miette, ni avec les yeux, ni avec les oreilles, je 

peux vous jurer que c'était jouissif !

En bis, il nous joue d'abord un second moment musical de Rachmaninov, 

comme tombé du ciel (on a beau être maintenant habitué avec lui, ça 

reste toujours aussi magique !) Puis, sous les acclamations d'un 

public chaviré qui commence à taper des pieds, il revient, plus noble 

que jamais  et habité d'une espèce d'assurance indestructible ! , 

et nous sort comme ça, d'un seul geste, les mains tout au fond du 

clavier, un quatrième moment musical d'anthologie, plus rapide encore 

que dans son disque, et tout aussi chantant et modulé Incroyable ! 

Je ne peux alors m'empêcher de penser que c'est le Roi de la Roque 

qui est venu ce soir reprendre possession, seul, de son trône disons 

partagé l'an dernier avec quelques autres ! Et c'est donc ainsi « 

couronné » qu'il prend finalement congé avec une sublime Arabesque de 

Debussy, ultime hommage au pays qui l'accueille si chaleureusement 

depuis tant d'années

Lors de la traditionnelle séance de signatures, alors que Lugansky 

est très sagement attablé, tout modeste comme à son habitude (même si 

l'on devine qu'il est plutôt satisfait de sa soirée), Rudenko fait 

une courte apparition et, le sourire aux lèvres, vient lui donner une 

accolade amicale : ça lui a plu manifestement  beaucoup, même ! Ce 

mélange d'admiration et de bonheur partagé est vraiment touchant 

Quant à Berezovsky, il a pour l'heure d'autres préoccupations : une 

petite fille d'environ huit ans (sa fille ?) est blottie dans ses 

bras, accrochée à son cou, et commence à s'endormir gentiment sur son 

épaule C'est qu'il se fait tard en effet, il faut aller se coucher, 

d'autant que dès le lendemain matin

Rendez-vous à onze heures, au temple de Lourmarin, pour le Ludus 

Tonalis d'Hindemith ! Eh oui, Berezovsky est le pianiste que rien ne 

rebute : après les études d'exécution transcendante de Liszt (que je 

n'ai pu entendre car elles se déroulaient à la même heure que le 

concert de Sokolov  et dont tout le monde a fait le plus vif 

éloge), après le remplacement que l'on sait (et avant une soirée à 

deux pianos), il s'offre ce matin un petit réveil tonique ! Je 

m'installe dans le temple juste à temps (c'était jour de marché à 

Lourmarin : impossible de se garer, ni même de se déplacer à pied), 

et le voilà qui tout de suite entre en scène, en bras de chemise, 

parfaitement décontracté. J'ai à peine le temps de remarquer qu'il y 

a micros et même caméra (effet pervers des quotas de musique 

classique : diffusion prévue la nuit, on ne sait pas quand, sur la 

télévision publique française !), et ça débute.

Berezovsky a certes la réputation d'avoir dans les doigts les trois-

quarts de l'entière littérature pianistique (et d'être capable de 

déchiffrer au pied levé le dernier quart !), il utilise quand même 

ici la partition, à l'image de Richter qui lui aussi s'est amusé à « 

infliger » ce corpus aride au public à la fin de sa vie  je possède 

même le disque Osons le dire : ça a beau ne durer qu'une heure, 

cette succession de fugues et d'intermèdes, sans tonalité affirmée, 

finit par fatiguer (c'est un peu la même sensation  en pire !  

qu'une accumulation de pièces en mineur) Néanmoins, impossible de 

s'ennuyer une seule minute devant ce piano-là Berezovsky nous a en 

effet offert des sonorités incroyables, inouïes (on en aurait presque 

oublié Sokolov, qui avait pourtant profondément imprégné les murs de 

ce temple) Voilà qu'il « pose » simplement ses mains sur le piano, 

et les doigts « tombent », avec tout le poids du corps derrière eux 

Résultat : des pianissimos venus d'ailleurs, majestueux De même, les 

forte sont d'une plénitude à donner le vertige ! Enfin, dernier 

enseignement important de ce concert : même si toutes ces fugues 

furent parfaitement conduites, sans le moindre défaut de lisibilité, 

on devine quand même Berezovsky avant tout guidé par l'harmonie ; en 

voilà un qui s'écoute, un qui joue d'abord avec ses oreilles Plus du 

reste je repasse par exemple son disque des études de Chopin, et plus 

cela m'apparaît nettement : c'est comme si avec lui le phrasé 

naissait de l'instant, en fonction des harmonies précédentes

Aucun bis ce jour-là (malgré les deux grosses glaces de la veille au 

soir, il devait avoir faim !) Ce ne fut pourtant pas faute 

d'applaudissements  ce qui aura le don de l'amuser mais non : il 

restera absolument inflexible, et nous laissera partir avec Hindemith 

dans les oreilles  et rien qu'Hindemith ! Pas la moindre petite 

sucrerie en ré majeur pour nous récompenser après toutes ces fugues 

atonales ! C'est quand même dur, la vie de festivalier.

J'ai dû par conséquent me rabattre ce midi sur des nourritures 

beaucoup plus terre-à-terre (heureusement, il y a de bonnes sucreries 

aussi dans ce monde-là), et, après une digestion passée dans la 

superbe forêt de cèdres qui jouxte Lourmarin, retour à la Roque à 18 

heures pour Vahan Mardirossian, un jeune Arménien installé en France 

depuis près de dix ans, et dont un récent disque Schubert (qui ne m'a 

personnellement guère marqué) a eu bonne presse ici. Allais-je revoir 

mon jugement à la hausse ? Hélas.

Les impromptus de Schubert (op. 90) défilent, sans grande faute de 

goût, assez bien caractérisés, mais sans charme, sans réelle vision 

Le son en fait paraît vide (difficile aussi, il est vrai, de succéder 

ainsi à Berezovsky, surtout que nous sommes maintenant passés en 

plein air !) S'ensuit la « Vallée d'Obermann », pas mal faite mais 

qui jouée ainsi n'est qu'un morceau de concours parmi d'autres, puis 

les variations de Brahms sur le thème du premier sextuor  simplement 

plaisantes Quant aux bis, je n'en garde, désolé, pas le moindre 

souvenir.

Mardirossian est un jeune homme très sympathique, avec le visage tout 

rond, et il semble à l'évidence ravi d'être là. Il sourit sans arrêt 

(même sur scène), il salue tous ceux qui le reconnaissent quand il se 

promène avec son amie dans le parc  un modèle de jovialité ! Alors 

évidemment, si, de son Arménie natale, il était allé à Moscou à 17 

ans au lieu de venir en France, il serait je pense aujourd'hui 

meilleur pianiste  mais il aurait aussi probablement eu une vie plus 

difficile ! C'est pourquoi, à le voir heureux comme ça, je me dis 

que, finalement, il a sans doute fait le bon choix

Le soir, c'est au tour de Richard Goode (Mozart, Debussy, Beethoven 

et Schubert). Sensation bizarre : celui-là, je sais que je l'ai déjà 

entendu il y a quelques années ici même (Bach, Chopin, et l'op. 111 

de Beethoven), je sais que je n'avais pas aimé, mais je ne me 

souviens plus du tout pourquoi Signe encourageant cependant  outre 

sa flatteuse réputation : je croise « papa » Berezovsky (le fiston ne 

doit pas être loin), ainsi que nos deux compères Lugansky et Rudenko, 

qui ne se quittent toujours pas, et qui vont s'asseoir, toujours 

discrètement, à mi-hauteur des gradins, sur le coté droit.

Malheureusement, dès les premières mesures, c'est la consternation : 

mais comment diable Lugansky peut-il supporter d'entendre ce Mozart  

cette même sonate qu'il a interprétée la veille !  ainsi (mal)

traité ? Quelle grandeur d'âme ! Car là où Lugansky magnifiait 

l'écriture, allongeait ses phrases avec une grâce infinie et créait 

en permanence de la tension, Goode enchaîne des motifs, simplement 

jolis, et tombe dans toutes les « facilités » mélodiques possibles et 

imaginables. Quand Lugansky caractérisait, Goode morcèle Alors bien 

sûr le son n'est pas mauvais  ce n'est pas un quelconque élève de 

conservatoire , mais quelle complaisance ! Certes la musique de 

Mozart est grande, mais ce n'est pas une raison pour l'exploiter et 

la rabaisser ainsi ! Bien pénible entrée en matière

Suivent quatre préludes de Debussy qui eux m'ont convaincu (mais il 

faut que je confesse que je n'aime pas vraiment Debussy, et qu'il est 

très rare que je le trouve mal interprété  preuve supplémentaire ce 

soir) Il y eut de belles sonorités, avec un réel effort pour jouer 

avec tout le corps, c'était tout à fait suggestif  rien à dire

Les ennuis reprennent hélas avec « Les Adieux » de Beethoven : 

toujours cette même propension à couper les phrases, à hacher le 

propos, à choisir toujours la voie la plus « facile » : il y a ainsi 

sans arrêt des notes « pivot », et d'autres qui semblent n'être que 

des « faire-valoir » Je lis dans le programme que Goode est « un des 

plus grands représentants actuels de la musique de Beethoven » Voilà 

qui serait inquiétant  heureusement que c'est faux ! Je rajouterai, 

sur un plan plus purement pianistique, que le « retour » de ces « 

Adieux », certes noté vivacissimamente (rien que ça !), n'était pas 

exempt de « trucs » : ça « glissait » même allègrement (c'est-à-dire 

que des notes étaient jouées sans l'être vraiment pour elles-mêmes)

Je passe sur la sonate de Schubert (D. 959) qui succédait à 

l'entracte, et qui semblait n'être là que pour assurer à notre 

pianiste (grâce à son célébrissime Andantino) le succès escompté  ce 

qui ne manqua pas En bis, je ne me souviens que du mouvement lent du 

concerto italien, et ce n'était pas franchement meilleur que le 

reste  au contraire, même

Juste encore deux remarques, pour en finir avec cette soirée :

D'abord une note « plaisante » : bien que les ayant plus ou moins 

cherchés (ça m'intriguait, quand même !), je n'ai vu à l'entracte ni 

Lugansky, ni Rudenko. Et, sauf erreur, ils n'occupaient plus lors de 

la seconde partie les places qui avaient été les leurs pendant la 

première (je sais, c'est pas bien de cafter)

Enfin, une note plus triste : en sortant, j'entends deux dames 

discuter (je précise que ça aurait aussi bien pu être des 

messieurs), et l'une finit par confesser à l'autre que la sonate de 

Mozart du jour l'avait beaucoup plus touchée que celle de la veille 

Eh oui ! Ça me fait mal aussi d'entendre des choses pareilles mais, 

en y réfléchissant bien, c'est assez logique finalement, car 

l'interprétation de Goode visait exactement à cela : plaire (non 

par « racolage », mais par « simplification »)

Nous arrivons au samedi 10 août. Comme j'ai séché cette fois-ci la 

séance hindemithienne du matin (avec un certain Toros Can), vous me 

pardonnerez de passer directement au soir : Angelich dans les Années 

de Pèlerinage (l'intégrale, toujours sans Venezia e Napoli). Tout 

d'abord, rappel des faits : l'an dernier, même lieu, même heure, même 

interprète, même programme ; et si j'étais resté assez sceptique face 

à la première année, la suite, par contre, m'avait enthousiasmé.

Eh bien rien de tel cette fois-ci : c'est magnifique dès le début ! 

Je suis même à présent convaincu que l'« amélioration » est objective 

(un ami qui m'accompagnait l'an dernier et qui a ce samedi écouté la 

retransmission radio me l'a confirmé) D'ailleurs, Angelich a 

reprogrammé durant cette saison cette première année « suisse » 

isolément (par exemple à Toulouse), et l'interprétation en est 

devenue à l'évidence beaucoup plus mûre et aboutie.

S'il y a donc toujours la même partition sur le pupitre, Angelich 

prend en revanche bien davantage son temps, et il habite les silences 

avec un art admirable, il parle Nous sommes réellement confrontés à 

une musicalité rare, exceptionnelle La « Vallée d'Obermann » par 

exemple, qui m'avait paru si « poussive » la première fois, atteint 

ici un sommet d'inspiration (comparé à Mardirossian la veille !) : 

très lente, lentissime même, mais idéalement caractérisée, c'était 

comme si on explorait pas à pas un territoire inconnu (le fait 

qu'il « lisait » renforçait d'ailleurs cette sensation). C'était une 

histoire extraordinaire qui nous était contée, l'histoire de la 

musique peut-être  à moins que ce ne soit la propre vie de Liszt Et 

ça a continué comme ça, sans que je remarque la moindre chute de 

tension, jusqu'à la « Dante sonate » (incluse !) Après cette 

performance, Angelich paraît comme « ivre » (à l'image de l'an 

dernier, il marche « en apesanteur »  et semble même être en peine 

de trouver la sortie de scène !) Quant à moi, par moments, je m'étais 

dit que ce diable de Liszt avait écrit la plus belle musique qui soit

C'est donc l'heure du second entracte ; et c'est hélas aussi le 

moment que choisit le vent, raisonnable jusque-là, pour se renforcer 

dans des proportions préoccupantes Est-ce la seule cause de ce qui 

va suivre ? On ne le saura jamais. Toujours est-il que le jeu de 

notre pianiste s'est ensuite comme délité ; en quelques minutes, la 

magie s'était envolée : exactement l'inverse de l'an dernier (comme 

s'il avait cette fois-ci démarré trop tôt !) Jamais on ne retrouvera 

ce dépouillement qui progressivement gagne, cet adieu à la mélodie, 

cette désolation apaisée qui avaient envahi l'an dernier toute cette 

troisième année Angelich semble avoir « lâché le morceau », 

mentalement, et du coup des défauts « pianistiques » réapparaissent : 

on réalise mieux alors combien il compense en fait en temps normal, 

par des qualités musicales admirables, une technique qui est quand 

même à la base de nature « digitale ». Dès lors donc qu'il se laisse 

un peu aller (mais comment il est vrai chercher des sonorités et 

faire parler les silences au milieu des bourrasques  sans parler du 

froid?), tout retombe d'un cran et la crispation, toujours sous-

jacente chez lui  Angelich est bourré de « tics » de relaxation ! , 

engendre à nouveau platitudes et duretés

Sûrement s'est-il plus ou moins rendu compte de la situation et, du 

coup, la fin « optimiste » de l'an dernier (un sublime andante de 

Mozart en bis) a laissé place à une fin beaucoup plus pessimiste, 

fermée : reprise  pas meilleure du reste  de la dernière pièce, le 

Sursum corda.

Je précise que mon diagnostic sur cette fin de soirée a été plus ou 

moins corroboré par les trois personnes qui étaient avec moi  et 

complètement confirmé par cet ami qui m'avait accompagné l'an dernier 

et qui était cette fois à l'écoute de France-Musiques Je dis juste 

ça car une baisse de vigilance  coupable !  de ma part aurait fort 

bien pu se produire.

Cela dit, les innombrables merveilles des deux premières heures 

suffisent amplement, vous vous en doutez, à « sauver » un récital qui 

appelle évidemment les plus vives louanges.

Peu de chances de quitter les sommets le jour suivant avec la nuit 

quatre mains  deux pianos. Je dirai même qu'il y avait une (forte) 

éventualité de grimper encore quelques marches vers les cimes avec le 

premier concert : Lugansky et Rudenko ! 

Certes, il y avait encore du vent. À Marseille, c'était même la 

tempête, ce qui dans l'après-midi m'a fait craindre le pire. Mais 

heureusement, comme par miracle, le soir à la Roque, c'était 

supportable : le bruit de fond se fit vite oublier, seules par 

moments deux-trois rafales m'ont un peu distrait Rien de dramatique, 

cependant.

Quinze jours après, je ne trouve par conséquent qu'une seule vraie 

critique à formuler : c'était trop court !

Ça débutait par une sonate de Poulenc comme Poulenc lui-même, sans 

doute, n'a pas eu la chance d'en entendre Certains critiques 

français  qui ont un dogmatisme opposé au mien !  oseront peut-être 

reprocher (j'ai déjà lu un papier allant dans ce sens) les dérives « 

prokofieviennes », voire « rachmaninoviennes » de ce Poulenc Je 

prétends moi que si Poulenc n'a jamais conçu son uvre ainsi 

interprétée (ce qui est probable), c'est uniquement qu'il n'avait pas 

à sa disposition de pianistes du calibre de ces deux-là ! Un point 

c'est tout ! Dans ce domaine, je n'en démords pas, la mariée n'est 

jamais trop belle En effet, on entendait tout, la structure était 

limpide, c'était souple, profond, pas du tout dépourvu d'esprit  

qu'est-ce qu'on veut de plus ? Il est écrit quelque part que la 

musique française doit impérativement être jouée du bout des doigts, 

de façon sèche et ennuyeuse ?

Vient le tour de la seconde suite de Rachmaninov (Lugansky est 

toujours à gauche, de « mon » coté). Inutile de trop s'étendre sur 

cette interprétation : peut-être peut-on faire mieux  sûrement même 

 mais comme je suis personnellement bien incapable de concevoir ce 

qu'il y aurait à améliorer J'ai pensé un instant que la valse  le 

second mouvement  était un peu rapide (l'ont-ils jouée si vite l'an 

dernier ?), mais comme ça semblait tout aussi « évident » à ce tempo-

là D'ailleurs, comme s'ils avaient voulu me convaincre 

définitivement, ils ont repris cette même valse en bis, toujours 

aussi vite, mais cette fois-ci sans partition  ce qui dit bien la 

maîtrise de nos duettistes Sans davantage de failles que la première 

fois, cela va sans dire.

Juste un mot sur le spectacle purement visuel, à lui seul fascinant : 

Lugansky, très concentré comme d'habitude, fait admirer sa 

traditionnelle mécanique pianiste, formidablement huilée ; 

décontracté au maximum, souverain, il colle au clavier, tout est 

maîtrisé  c'est impressionnant. De l'autre côté, j'observe alors 

Rudenko  dont bien sûr je ne vois pas les mains , et lui ondule 

légèrement des épaules, et c'est tout ! Il a l'air tellement 

tranquille que je me demande presque où est passée sa cigarette 

(qu'il ne quitte guère au « civil ») ! Car il faut vraiment qu'on 

entende qu'il sort de son piano des choses tout aussi stupéfiantes 

que de celui de Lugansky pour se persuader qu'il est bien en train de 

jouer.

Pour la Valse de Ravel qui suit, le « doute » n'est plus permis : ils 

changent de place et effectivement, Rudenko ne fait pas semblant. Il 

joue. Et de quelle façon ! Cet homme est en caoutchouc : il malaxe 

les touches, ça rebondit de partout, quel numéro ! Quant à 

l'interprétation Les « fantômes » du début, le charme un peu 

vénéneux du premier thème de valse, le vertige né de ses 

métamorphoses au gré des crescendos successifs, jusqu'au paroxysme 

final  il y avait tout ; et dans une réalisation d'une précision 

confondante et d'une plénitude sonore luxuriante !

L'acclamation qui suivit allait de soi. En bis, la « Jamaika Rumba » 

de Benjamin (que je n'avais jamais entendue et que j'ai prise pour du 

Darius Milhaud), puis donc la reprise du Rachmaninov  par cur

Ce qui est vraiment extraordinaire avec ce duo  et ce qui le rend à 

mon avis unique , c'est, certes, qu'il rassemble deux des tous plus 

grands pianistes du moment (deux copains en plus), mais surtout qu'il 

est formidablement complémentaire  même si les deux sont, c'est 

nécessaire, stylistiquement assez proches : avec deux Lugansky, ou 

deux Rudenko, je suis sûr que ce serait moins bon. Lugansky apporte 

en effet la rigueur, la caractérisation, mais aussi de la tenue et du 

charme, tandis que Rudenko ajoute de l'élasticité, de la rondeur, du 

fantasque, voire un certain détachement Une alliance qui, 

assurément, n'est pas prête à être supplantée !

Après une pause, ce sera ensuite au tour de Brigitte Engerer, avec 

Berezovsky Dans un programme sous-titré « une nuit à l'opéra » Eh 

oui, ce brave Boris nous aura tout fait ! On était en tout cas 

tranquillement en train d'attendre que ça démarre lorsque soudain 

Rudenko surgit, tout agité, devant les gradins (il a remis sa tenue 

de plage, sa tenue de camouflage) ; il échange alors quelques mots, 

en russe, avec quelqu'un dans les tribunes, puis s'éloigne, d'un pas 

pressé (il court comme il joue : un gros chat !) ; une minute plus 

tard, il revient en « traînant » derrière lui son cher Nikolaï, tout 

beau tout propre  et à l'évidence un peu gêné de se faire ainsi 

remarquer (car si Rudenko passe sans problème inaperçu, Lugansky, 

lui, se fait immédiatement applaudir : c'est une star !) Et les voilà 

qui viennent s'asseoir, pour une fois devant, au deuxième rang (je 

suis juste quatre sièges plus à gauche) Ça peut enfin commencer

Pour les extraits de « La Belle au bois dormant » de 

Tchaikovsky/Rachmaninov, c'est Engerer qui est en haut. Que dire ? Un 

style quelconque (pour ne pas dire pas de style du tout), des 

sonorités assez métalliques On retombe de haut ! Berezovsky, dans 

les basses, se contente d'assurer (fort bien) le service minimum, 

sans apparemment se formaliser le moins du monde de ce qui se passe à 

côté de lui.

Passons donc vite à autre chose : Borodine et ses « Danses 

polovtsiennes ». Avec cette fois-ci Berezovsky à droite Et là, c'est 

extrêmement cruel pour notre sympathique Brigitte : c'est comme si on 

était passé subitement d'un mauvais Yamaha à un somptueux Steinway ! 

Tout se met d'un coup à vivre, et direction les steppes russes ! 

Finies ces duretés dans le médium et l'aigu, finie cette raideur de 

phrasé ! Engerer tente alors de s'accrocher au wagon  elle y 

parvient du reste pas trop mal , car Berezovsky, lui, se déchaîne :  

tout le parc du château est entraîné dans la danse. Les rythmes 

bondissent, acérés, sans qu'on ne sente pourtant jamais rien 

d'électrique ni de nerveux. La puissance est phénoménale, mais en 

même temps, le son est presque doux Toujours en fait ce même 

secret : la décontraction ! C'est bien simple, Berezovsky, déchargé 

qu'il est de la pédale par sa partenaire, ira jusqu'à jouer tout un 

passage les jambes croisées, étendues sous le piano  comme s'il 

était dans son salon Même si à l'évidence il se dépense, on ne sent 

pas vraiment d'effort C'est en fait tout aussi « facile » que chez 

Rudenko, mais avec sans doute une sensation de réserve de puissance 

encore supérieure

On passe ensuite à deux pianos, mais là encore, je ne suis qu'à 

moitié satisfait : sans parler du programme qui n'était pas toujours 

d'un intérêt supérieur (l'ouverture de la « Flûte enchantée » 

transcrite par Busoni, le grand duo de Thalberg sur « Norma », et 

enfin les Réminiscences de « Don Giovanni » de Liszt), ce second duo 

de la soirée est bien moins cohérent et a bien moins de classe que le 

précédent  qui, devenu spectateur, j'en témoigne, a écouté tout ça 

avec une concentration et une acuité exemplaires Reste donc le piano 

de Berezovsky, qui certes se laisse parfois un peu aller, comme dans 

le « Don Giovanni » lisztien par exemple (Lugansky, ici, aurait 

sûrement été plus « subtil »), mais qui offre aussi des moments 

géniaux, fulgurants (le début de l'ouverture de la « flûte » en 

particulier, avec un cantabile et des registrations idéales, 

exactement dans l'esprit de Busoni  mais gâchées hélas par les 

interventions prosaïques du second piano)

Un concert mitigé par conséquent, qui a confirmé les talents 

protéiformes de Berezovsky, mais qui nous a en revanche présenté une 

Brigitte Engerer malheureusement en régression (elle vit sur ses 

acquis, j'ai l'impression, et ses acquis s'épuisent)

Il y a ce soir-là une foule invraisemblable autour de la table des 

dédicaces, devant laquelle nos quatre protagonistes sont sagement 

installés. J'observe la scène de côté : Engerer semble la seule à 

prendre un vrai plaisir à l'exercice (il faut dire qu'elle parle 

français  ce qui aide pour discuter, et surtout qu'elle se trouve 

en bien flatteuse compagnie !) ; Berezovsky a l'air lui plutôt abattu 

(il signe pendant un quart d'heure, avachi, et avec à nouveau la même 

petite fille derrière lui, toujours agrippée à son coup J'ai 

l'impression que sa tête a déjà quitté les lieux  contrat rempli !) 

Quant à Lugansky et Rudenko, ils s'acquittent de leur tâche avec 

professionnalisme  la routine.

Longue journée lundi, puisqu'on attaque dès 16 heures, dans la petite 

enclave baptisée espace Forbin : un ami américain m'a en effet 

convaincu d'aller écouter Piers Lane, un illustre inconnu (pour moi), 

manifestement anglo-australien Le programme : des adaptations et 

transcriptions de Percy Grainger, puis une Dumka de Tchaikovsky, et 

enfin les variations sur un thème de Chopin de Rachmaninov

Lane possède une certaine virtuosité. Rien d'exceptionnel (tout est 

assez rigide) mais enfin, il a quand même des doigts. Le problème, 

c'est que stylistiquement, et pour ce qui est de la qualité du son, 

c'est du piano-bar ! Alors je veux bien que la musique de Grainger, 

ce soit ça : des adaptations plutôt vulgaires de « tubes » 

classiques Vu sous cet angle, c'était donc pas si mal. Disons que si 

j'avais entendu ça « bourré », à quatre heures du matin dans une 

cave, ça m'aurait peut-être plu Seulement là, entre Lugansky et 

Rudenko, franchement, j'ai eu plus de mal ! Autre problème : passe 

encore pour Grainger ; l'ennui, c'est que notre homme a joué 

Tchaikovsky et Rachmaninov en gros de la même manière ! Et 

malheureusement, c'était même pas drôle : jamais pour tout dire ces 

variations de Rachmaninov ne m'ont paru aussi longues

J'ajouterai que j'ai eu beau faire la grève des applaudissements (car 

il faut quand même bien instaurer un minimum de hiérarchie !), le 

bougre est parvenu à donner trois bis Interminable !

Je fais donc d'urgence une petite promenade dans le parc pour m'aérer 

un peu les oreilles  il fallait bien ça , et très vite arrive 

l'heure du récital suivant : Vadim Rudenko !

Malheureusement, celui-là n'a toujours pas droit à un « vrai » 

récital, en nocturne. On se souvient que l'an dernier, il avait déjà 

joué à cette heure-là  et déjà par jour de Mistral (soit les pires 

conditions possible) Eh bien cette année, je crois que ce fut pire 

(si c'est possible) : de tous, il est celui qui a eu à subir, et de 

loin, le vent le plus violent (une vraie tempête, plus encore que le 

soir de la nuit Liszt avec Angelich). Alors je sais bien qu'au même 

moment la moitié de l'Europe était sous les eaux  nous n'étions 

finalement pas si mal lotis , mais il n'empêche que ça m'a quand 

même fait râler. C'était vraiment pas de chance. Enfin

En tous les cas, comme il était absolument hors de question que je 

manque des choses importantes, bien que muni d'une place en temps 

normal excellente, je décidai de m'incruster au premier rang, tout en 

face des mains, juste à côté en fait du président du festival (que je 

saluai d'un « Bonjour Monsieur le président ! »  ça fait toujours 

plaisir !) Par chance personne ne viendra m'en déloger J'ai donc en 

fin de compte très bien entendu, ce qui n'a malheureusement pas été 

le cas de tout le monde. Car Rudenko, comme il se doit, n'a pas 

cherché à compenser ces conditions exécrables en forçant le son. Au 

contraire même : comme on se fait souvent davantage entendre, au 

milieu d'un brouhaha, en parlant faiblement, il a choisi d'attaquer 

ses préludes de Chopin avec beaucoup de douceur, beaucoup de 

subtilité, beaucoup d'élégance. Ce n'était certes pas 

fondamentalement différent de ce qu'il avait fait quelques jours plus 

tôt à Séguret  on retrouvait ce coté très « elliptique »  mais j'ai 

trouvé qu'il y avait quand même plus de conduite, un soin apporté à 

l'unité du cycle plus marqué (il est vrai que cette fois-ci, il 

jouait l'intégralité). En vérité, c'était extrêmement proche, pour 

ceux qui la connaissent, de la (rare) version de Gilels (à Leningrad 

en 1953) : mêmes transitions, même respiration, même naturel Tout 

comme Lugansky du reste n'était l'autre soir pas si éloigné de l'« 

Appassionata » de studio, de 1973 À noter pour finir juste deux-

trois « canards » à la main droite dans le dix-neuvième prélude  

dont « on se tape » toujours autant !

Vient ensuite un impromptu de Schubert (le troisième de l'op. 142  

celui à variations). Je n'aime pas trop en général les impromptus de 

Schubert en concert ; je trouve ça un peu « facile » Eh bien celui-

ci restera pourtant comme un des tous grands moments de ce festival : 

j'ai adoré ! J'avais même oublié que cette pièce était si belle. Du 

coup, je l'ai réécoutée en rentrant (par Fischer, Schnabel, Lupu, 

Zimerman, etc.), mais j'ai à chaque fois été déçu ! Il y avait en 

effet chez Rudenko une façon d'être profond s'en s'appesantir, ainsi 

qu'une sophistication extrême, mais toujours classique  c'était 

merveilleux.

Enfin, les variations Paganini. J'ai d'abord été déçu, car je pensais 

qu'il jouerait à la Roque le cycle complet, or, comme à Séguret, il 

n'a donné que le second cahier. Cependant, difficile d'être déçu 

longtemps quand on entend ce qu'on a entendu C'était tout à fait 

dans le même esprit, mais mieux « fini » encore que la semaine 

précédente, plus concentré. Et toujours cette sensation incroyable : 

il va certes au fond des choses, au fond du clavier, techniquement, 

c'est très profond, mais on a pourtant la sensation que tout est 

aérien Les variations s'enchaînent, comme des ovnis, et puis c'est 

fini ! Rapidement fini pour de bon d'ailleurs, car autant le récital 

précédent de Piers Lane m'a semblé durer mille ans, autant celui-ci 

est passé comme un éclair.

J'ai applaudi et applaudi encore, aussi fort que j'ai pu 

(malheureusement, étant au premier rang, je ne pouvais faire vibrer 

les gradins avec les pieds !), mais Rudenko n'a hélas été rappelé que 

deux (petites) fois : honte au public ! Nous eûmes donc droit à 

nouveau au Bach-Siloti (toujours sans reprise, mais peut-être encore 

plus sublime), puis à une pièce virtuose inconnue de moi (sans doute 

une étude, peut-être anglo-saxonne)

Je quitte l'endroit en tout cas avec une nouvelle certitude (enfin, 

pas tout à fait nouvelle quand même) : j'adore ce Rudenko !

Lors de la séance de signatures, après avoir félicité le héros, 

j'interpelle René Martin et le supplie de programmer enfin ce 

bonhomme l'année prochaine à 21 heures 30  et de convoquer ce jour-

là une belle soirée d'été sans vent ! M'écoutera-t-il ?

Après un charmant repas (un pique-nique dans le parc, bien à l'abri 

du vent derrière un des 365 platanes qui bordent les allées), je 

suis d'excellente humeur, mais la soirée qui se prépare débute 

pourtant par un mauvais présage : je découvre en effet en 

réinvestissant la foule la même engeance qui, cinq jours plus tôt, 

s'était déplacée pour Nelson Freire. Elle a cette fois été attirée 

par Arcadi Volodos.

Toujours la même connaissance parisienne (qui trouvait que 

Berezovsky « cognait »), m'annonce alors que ce phénomène (Volodos) 

serait le nouvel Horowitz. Je lui réponds bien sûr que j'espérais que 

c'était vrai, mais qu'il aurait quand même pu venir deux heures plus 

tôt  il était juste à côté, dans le Lubéron , car pour dix 

malheureux euros (le soir, on est plus proche des cinquante), il 

aurait pu entendre le nouveau Gilels  ce qui n'est pas mal non 

plus ! Et en plus, il était prévenu (par moi l'autre soir). Mais 

enfin

Ce Volodos, bizarrement, à part une broutille entendue un jour à la 

radio dans la voiture, je ne le connaissais que par les écrits que 

j'avais lus sur lui. Je n'ai même jamais acheté un seul de ses 

disques  un pressentiment ? Cela dit, je n'excluais pas du tout que 

ce fût effectivement exceptionnel (j'aime beaucoup Horowitz aussi !), 

et j'étais prêt à repartir avec une petite collection de disques  

dédicacés !  le cas échéant Je serais vite fixé

Tout d'abord, on reçoit un choc : on s'attend en effet à un jeune 

homme de trente ans  ce qu'il est ! , or il semble en avoir le 

double Une démarche d'automate, comme si le pauvre était perclus 

d'arthrose ! Il s'assoit sur une chaise, se cale bien au fond du 

dossier, et ça démarre Toute la première partie est consacrée à 

Scriabine, et même pour commencer au Scriabine « dernière manière »  

le plus ardu. La première chose que je remarque est une qualité de 

son tout à fait excellente (la technique, assurément, n'est pas « 

digitale »  et il a en plus de la chance, car le vent est en train 

de tomber complètement) Mais très vite, je sens que quelque chose ne 

va pas du tout : nous sommes dans la septième sonate (« Messe 

blanche »), et je n'y comprends absolument plus rien. J'entends un 

flot de musique, indifférencié, sans aucune caractérisation Il y a 

bien des forte et des piano, mais aucun contraste ! Certes, c'est 

fluide, mais je n'entends qu'un seul plan, et la structure des uvres 

est comme un long ruban qu'il déroule, sans fin On en vient ensuite 

à des pièces mieux connues  études, préludes  mais ça ne s'arrange 

pas du tout : il y a en plus des trivialités, c'est pas toujours de 

très bon goût  c'est en fait du Scriabine très conventionnel !

Le public semble comme sonné, groggy, et à la fin des 

applaudissements, personne n'ose se lever pour l'entracte (et 

pourtant, une petite « coupette » s'imposait !) Beaucoup en fait 

devaient se demander si c'était bel et bien fini (on ne sait jamais, 

au cas où ça aurait été seulement la fin de la sonate) Quant à moi, 

ma religion est faite : du Scriabine invertébré comme ça, c'est 

insupportable ! Malheureusement, en discutant un peu, même avec ceux 

qui avaient manifestement « souffert », je m'aperçois qu'ils pensent 

que c'est Scriabine lui-même le seul responsable L'interprétation, 

elle était forcément merveilleuse : pensez-donc, un pianiste pareil ! 

Je tombe ensuite sur une connaissance  pianiste professionnel, et 

lui demande si Volodos a bien joué les trois pièces du début, prévues 

avant la sonate (je n'ai, moi, pas su toutes les identifier) : eh 

bien il est incapable de me répondre ! Il n'a visiblement rien 

compris non plus (?!?), ce qui ne l'empêche pas d'affirmer que 

c'était remarquable ! Alors là, moi, je dis stop ! C'est quand même 

pas la première fois que j'écoute du Scriabine, et il n'est pas 

interdit d'y prendre du plaisir  ni même d'y comprendre quelque-

chose ! Le challenge principal pour l'interprète, c'est justement 

d'éviter de transformer cette musique en soupe mystique complètement 

indigeste La musique de Scriabine, plus qu'une autre encore, demande 

à être construite, que diable ! Je réintègre certes mon siège, mais à 

reculons  et en colère !

En deuxième partie, ce sera d'abord la première sonate de Schubert 

(D. 157) : toujours des sonorités superbes  un narcissisme sonore en 

vérité carabiné !  et toujours aucun vrai discours. Volodos 

juxtapose une série de miniatures, toutes plus sophistiquées les unes 

que les autres, mais ça ne « fonctionne » pas du tout Ça frise même 

par instants le ridicule ! Tout est mièvre, l'articulation est 

maniérée, il n'y a aucune pulsation, pas la moindre tension  pour 

tout dire, c'est limite inaudible Et pourtant, il est russe (je ne 

pensais vraiment pas pouvoir écrire ça un jour à propos d'un « 

grand » Russe !), et il sait sacrément bien jouer du piano En tout 

cas, pour un nouvel Horowitz, merci bien Au jeu des sosies, je 

trouve que mon nouveau Gilels, même s'il n'est pas parfait, est 

autrement plus ressemblant !

Ensuite, nous aurons trois Schubert/Liszt, parmi les plus beaux 

(extraits du « chant du cygne ») ; et là encore, on baigne en plein 

hédonisme sonore. De tout le récital, c'était certes à mon sens le 

plus supportable. Néanmoins, je sentis quand même davantage la 

prétention au sublime que le sublime lui-même

Mais voilà que se profile enfin le clou du spectacle. Car qu'on se le 

dise, tout ce qui précédait n'était qu'un hors-d'uvre. L'important, 

c'est maintenant. Vous avez souffert dans Scriabine ? Normal, c'était 

fait pour ça. Mais à présent rassurez-vous, c'est fini : l'heure du 

cirque est arrivée ! Alors, pendant une demi-heure, de la treizième 

rhapsodie hongroise de Liszt (légèrement « améliorée ») jusqu'au 

dernier bis (une « marche turque » de Mozart qui comportait davantage 

de notes que l'entier troisième concerto de Rachmaninov), je me suis 

affaissé, petit à petit, au fond de mon siège  de désespoir. Et si 

je ne détestais pas tant ceux qui le font en temps normal, je serais 

même parti avant la fin (car l'hystérie du public était telle que ça 

aurait pu durer encore longtemps)

C'est marrant, mais en deux heures, ce Volodos a réussi l'exploit de 

se rendre à mes yeux parfaitement antipathique. Il a certes un 

certain talent  pour ne pas dire un talent certain , mais tout le 

petit système, manifestement très bien rôdé, qu'il a construit autour 

de ça me donne la nausée Alors est-il exact qu'il est un des seuls 

qui parvienne encore aujourd'hui à se faire programmer au Carnegie 

Hall ? Parce que si c'est le cas, si c'est ça le standard de la 

musique classique de demain, eh bien moi je troque tout de suite mon 

violoncelle pour une contrebasse, et je me mets au jazz ! Ou même au 

rock.

En m'éloignant, j'aperçois Rudenko (sans Lugansky ce soir, car ce 

dernier s'est sûrement déjà envolé vers d'autres cieux, vers d'autres 

triomphes  il n'était déjà plus là à 18 heures pour le récital de 

son partenaire favori). Rudenko, lui, a bien assisté à tout le 

concert (dans un coin sur la gauche, toujours incognito avec son 

maillot rayé), et il fait à présent les cent pas, seul, absolument 

seul Le tableau du reste est surréaliste  pour ne pas dire 

pathétique : des centaines de personnes, surexcitées, attendent 

devant la table des dédicaces un Volodos qui d'ailleurs ne vient pas 

(sans doute se fait-il savamment attendre  je serai en tout cas 

parti avant qu'il ne daigne se montrer), et à cinquante mètres de là 

il y a Rudenko, en compagnie de sa seule cigarette, qui tourne en 

rond C'est d'une tristesse infinie (pour nous je précise ; car 

Rudenko, lui, semble très indifférent à la situation) On va donc le 

saluer une fois encore et une amie, qui elle parle vraiment anglais, 

lui dit combien nous avons apprécié son concert, et notre vif souhait 

de le voir programmé l'an prochain en soirée. Et surtout sans vent ! 

Elle ajoute enfin qu'elle espère qu'il continuera longtemps à jouer 

le prélude de Bach-Siloti en bis Je ne suis pas sûr qu'il ait tout 

compris (en particulier l'allusion aux bis), mais qu'importe. Il nous 

sourit, nous remercie et nous salue

Un jour de pause, et je remets ça le mercredi 14 août pour la nuit 

Ravel à l'Étang des Aulnes (c'est pourtant pas compliqué, c'est 

marqué partout, sur le programme, sur les billets : ÉTANG DES 

AULNES !!! Aargh) Au programme, les deux concertos, plus l'Alborada 

et le Boléro.

Cet Étang des Aulnes est un endroit charmant, un beau mas avec une 

vaste pelouse qui descend en pente douce jusqu'à l'eau  un vrai 

décor de cinéma , sauf que ces étangs sont le réservoir à moustiques 

de toute la région ! L'organisation déverse donc juste avant notre 

arrivée des tonnes d'insecticide devant le lieu du concert (avec une 

turbine), ce qui permet à tout le monde de rentrer à la fin à peu 

près sain et sauf Piqué de partout mais vivant ! Le lieu du concert 

justement, c'est une vaste grange rectangulaire en pierres, munie 

d'un toit ; les gradins sont installés dans la grange même, aux deux 

extrémités, ainsi évidemment que devant l'ouverture laissée par le 

mur manquant.

L'orchestre national d'Ile de France est à 20 heures au grand 

complet, sous la direction de son chef Jacques Mercier, pour débuter 

la soirée avec la version orchestrale de l'Alborada del Gracioso 

(choix cocasse dans le cadre d'un festival de piano, mais bon) 

Résultat : ça fait beaucoup de bruit ; mais vraiment beaucoup 

beaucoup de bruit !

Marc-André Hamelin fait ensuite son apparition pour le concerto pour 

la main gauche, et moi de me dire qu'avec une seule main en plus, le 

pauvre risquait d'avoir le plus grand mal à rivaliser avec un 

orchestre pareil Malheureusement, je ne croyais pas si bien dire : 

je n'ai quasiment rien entendu du piano ! Non pas en fait que 

l'orchestre fut vraiment fautif (il fut médiocre, mais inoffensif) 

Non, le problème, c'était l'acoustique : j'avais pourtant une « 

bonne » place, à l'extérieur, assez proche du piano, sur la gauche, 

mais autant la moindre des interventions de l'orchestre me revenait 

dans les oreilles amplifiée, autant le son du piano partait je-ne-

sais-où, mais en tout cas pas de mon côté Difficile donc dans ce 

contexte de porter un jugement sur une interprétation qui m'a quand 

même semblé très digne. Sans doute pas très originale, un peu « 

lisse », mais pas si mal. Je n'avais jamais entendu Hamelin en vrai  

seulement en disque , et il mérite sûrement d'être réécouté. En bis, 

il joua un Poulenc (très fluide, très « français »), puis 

Polichinelle de Villa-Lobos (très brillant, très amusant), et enfin 

l'étude op. 2 n° 1 de Scriabine (un peu moins réussie Légère 

tendance à ralentir avant chaque pianissimo).

Concert frustrant par conséquent, qui aura en tout cas eu un mérite : 

celui d'atténuer mes regrets quant à ma bourde de la semaine 

précédente. En effet, écouter Lugansky dans des conditions pareilles 

(car je crois que j'avais une place à peu près dans les mêmes 

parages), ça aurait été de la souffrance !

Un entracte, et c'est maintenant le concerto en sol, avec cette fois-

ci Roger Muraro  qui a triomphé deux semaines avant à la Roque dans 

une nuit Messiaen fort louée J'ai réussi à me déplacer pendant la 

pause et, maintenant recentré, j'entends nettement mieux. C'est pas 

parfait  je préfère largement l'acoustique sèche de la Roque  mais 

enfin, au moins, c'est « possible ». L'orchestre pour commencer m'a 

paru cette fois-ci un peu meilleur, plus concerné, moins vulgaire. Le 

pianiste par contre Voilà l'archétype du « bon » pianiste français, 

comme on les aime chez nous Un pianiste « irréprochable ». Un 

pianiste à la technique « digitale souple » Je m'explique : Muraro a 

une excellente main et il est très décontracté mais seulement 

jusqu'au coude Après (épaule, dos), c'est rigoureusement bloqué. Il 

fait donc tout avec les avant-bras et les poignets, ce qui, on s'en 

doute, bride considérablement son potentiel sonore (on vient 

malheureusement pour lui d'avoir suffisamment d'exemples qui nous ont 

montré que le vrai grand piano, c'est pas ça !) Quant à 

l'interprétation, disons qu'il fait toujours tout « comme il faut ». 

C'est comme s'il imitait en permanence une interprétation « idéale » 

Pour être méchant (mais c'est tellement vrai !), je dirai donc qu'il 

imite quelque chose qui n'existe même pas ! Résultat, c'est 

toujours « bien », mais moi je trouve ça toujours prodigieusement 

ennuyeux  et ce concerto en sol n'a pas dérogé à la règle (car 

Muraro, je le connais bien, je l'ai entendu souvent) Trois nouveaux 

Ravel en bis  aussitôt entendus, aussitôt oubliés (c'étaient les 

hommages à Chabrier et à Borodine, ainsi que le mouvement lent de la 

sonatine). Un dernier mot (pour relativiser ma sévérité) : Messiaen 

considérait Muraro comme un très grand interprète de sa musique  je 

n'exclus donc pas formellement que Ravel aurait apprécié le concerto 

de ce soir.

Pour finir, le Boléro Je ne ferai pas là de long commentaire, et me 

contenterai, en tant que violoncelliste (même amateur, ça change 

rien), de dire toute ma solidarité pour mes « confrères » qui ont été 

une fois de plus obligés de faire la « pompe » pendant un quart 

d'heure, sans avoir une seule fois la possibilité de jouer le thème 

en entier  alors que tous leurs collègues avaient eux successivement 

leur minute de gloire ! Voilà une injustice insupportable !   

Je reviens encore à la Roque le 17  d'une certaine façon en 

éclaireur : Paul Lewis donnait en effet cette année, en cinq 

journées, l'intégralité des sonates de Schubert, et je voulais savoir 

si la dernière nuit, le 21, avec les quatre dernières, vaudrait le 

coup Je suis donc allé écouter les sonates D. 575 et D. 784, ce 

samedi à 18 heures 30 La réponse à ma question ne tarda guère : ce 

sera non ! Non merci !

Voilà donc l'élève régulier, le « disciple » de Brendel D'abord, la 

technique : bien sûr, j'aurais pu me douter que ce n'était pas chez 

Brendel qu'il risquait d'avoir appris l'art de la décontraction Ça 

lui fait donc quelques circonstances atténuantes, mais les faits 

demeurent : tout cela est raide, raide, raide ! En plus, Lewis est 

plutôt gringalet, ce qui fait que son son n'a strictement aucune 

épaisseur, aucune personnalité, aucune vie Alors moi je veux bien 

qu'on défende l'idée qu'il n'y a pas que la technique, qu'il n'y a 

pas que le son, et que l'interprétation, ça compte aussi. Bien sûr 

(voir Volodos !) Mais enfin, une intégrale des sonates de Schubert 

avec un son qui pourrait avoir été produit par un piano mécanique, 

moi ça ne m'intéresse pas. Même si ce piano mécanique a été programmé 

avec toute la science musicologique du monde par Monsieur Brendel en 

personne Prenez le début de la sonate en la mineur : il n'y a aucune 

difficulté particulière, il s'agit juste de créer un climat, et Paul 

Lewis fait tout comme il faut  tempo, nuances , exactement comme 

tous les plus grands pianistes dans cette uvre. Et pourtant, la 

sauce ne prend pas La raison, à mon avis, est très « simple » : 

Lewis peut faire un « do » à dix décibels, ou à quinze décibels, ou 

encore à vingt décibels, mais il est incapable de faire vingt « do » 

différents, tous à vingt décibels En effet, il produit toutes ses 

notes avec une impulsion du doigt, sans jamais, sauf par « 

accident », que le doigt ne soit « porteur » de la masse du bras, et 

encore moins de la masse du corps entier  ce que j'appelle par 

conséquent « technique digitale ». On peut certes aller très loin en 

jouant ainsi (jusqu'à faire une intégrale Schubert à la Roque 

d'Anthéron !), mais sûrement pas au plus haut niveau. Il y a une 

limite infranchissable Au disque, la prise de son aidant, ça peut 

parfois faire illusion (quand l'interprétation est inventive) En 

concert par contre, c'est pour moi rédhibitoire (d'autant que 

l'interprétation du jour n'avait rien ni de particulièrement inspiré, 

ni encore moins d'original  du sous-Brendel)

Le programme annonce que ce Paul Lewis est un des plus brillants 

représentants du jeune piano anglais J'espère à nouveau que c'est 

faux ! Même si je ne l'ai jamais entendu en vrai  et bien qu'il joue 

sur Yamaha il me semble que Freddy Kempf par exemple, pour choisir 

un autre jeune, évolue à un tout autre niveau 

Le même soir, Christian Zacharias donnait, avec « son » orchestre de 

Lausanne, trois concertos de Mozart dans le cadre de son intégrale 

commencée il y a déjà deux ans. Un seul petit problème : je n'avais 

évidemment pas pris de billet (car je n'aime pas davantage Zacharias 

que Brendel et ses clones) ; or il s'agissait d'un des seuls 

concerts complets de tout le festival Néanmoins, comme j'étais sur 

place, je décidai d'attendre (écouter, en vrai, les treizième, 

vingtième et ultime vingt-septième concertos  pas les pires !  ça 

ne se refuse quand même pas) Coup de chance (car il y avait une 

bonne vingtaine de personnes dans mon cas, et je n'étais nullement 

disposé à me battre), une vieille dame bienfaitrice me propose 

spontanément un billet de troisième série  gratuit même (elle 

m'explique que ce n'est pas elle qui l'a payé, et qu'elle se refuse à 

faire du bénéfice !) Comme je parviens en plus à dénicher (ce qui, 

j'en ai bien l'impression, est presque toujours possible) une place 

non occupée dans les tous premiers rangs, me voilà parti pour une 

soirée Mozart imprévue  et dans des conditions d'écoute idéales 

Malheureusement, les miracles s'arrêtèrent là : Zacharias reste quand 

même Zacharias Lors de l'introduction du concerto K. 415, on 

retrouve certes un orchestre assez svelte, bien équilibré, et 

chantant finalement pas si mal. Zacharias, en tunique blanche, 

debout, dos au public devant son piano qui a été installé, sans 

couvercle, de manière transversale, « mine » la musique plus qu'il ne 

la dirige vraiment mais bon, ça passe encore Dès qu'il s'assied et 

se met à jouer en revanche, on retrouve ce style galant, très 

articulé, qui veut  manifestement éviter à tout prix le pathos  mais 

qui m'apparaît en fin de compte assez vain Ça manque cruellement de 

majesté et de nécessité. Je retrouve en fait un peu les mêmes défauts 

que chez Goode (la « qualité » sonore en moins) : c'est trop morcelé, 

bien souvent la main gauche se contente d'« accompagner », il n'y a 

pas de réelle tension

On imagine que cela ne s'arrangea guère dans le très dramatique 

vingtième : éviter les lourdeurs, c'est très bien  et sous cet 

angle, c'était réussi. Cependant, si ça doit être au détriment de 

tout le reste ! On devine une telle volonté de sortir de ces 

interprétations beethovéniennes et grandiloquentes qu'on nous servait 

il y a quelques décennies qu'au bout du compte, l'important semble 

être devenu l'ornementation

Pour ce qui est du vingt-septième  que j'adore , j'étais bien sûr 

heureux de simplement l'entendre Mais il n'empêche, où étaient ces 

longues phrases désenchantées, cette construction « harmonique », ces 

legato interminables ? Le son clair mais monochrome (on voit que ce 

n'est hélas pas sa priorité), les staccatos passe-partout, sans 

parler de tous ces traits « glissés », ça ne remplace pas tout à 

fait !

En bis, Zacharias délaisse son piano (un Mozart parmi d'autres que je 

n'ai pas identifié), comme pour nous prouver non seulement qu'il 

n'est pas un grand chef, mais encore que son orchestre n'est pas au-

dessus de tout soupçon (les deux cors naturels sont soumis à la 

torture, et nos oreilles avec)

Un concert qui aura eu finalement pour principal effet de me faire à 

nouveau amèrement regretter d'avoir été si tête-en-l'air deux 

semaines auparavant

Je cherche toujours, après ce récital de Volodos qui m'a profondément 

déprimé, à terminer sur une note un peu plus optimiste, alors me 

voilà une fois encore sur place le lendemain pour la nuit Chopin. 

Sans grand espoir, c'est vrai, mais enfin.

On commence par Akiko Ebi Allez, soyons magnanime, ce n'était pas si 

mal ! Une sonorité pas exceptionnelle, mais d'un certain charme, des 

lignes bien conduites, sans sentimentalisme, et pas mal d'éloquence. 

On n'a pas trop cette sensation  parfois ressentie lors de tels 

récitals Chopin, assez disparates  d'overdose au bout de la 

troisième pièce : les études (un op. 25 n° 1 réussi), nocturnes, 

mazurkas, ballade (n° 4) et scherzo (n° 3) s'enchaînent, mais ont 

chacun leur petite existence propre  ce qui est déjà un bon point. 

Maintenant bien sûr, malgré une certaine poésie, il y avait aussi des 

limites : sonores naturellement (elle n'a pas vraiment la technique 

de Berezovsky), mais aussi virtuoses Il y a ceux  le meilleur 

exemple étant Krystian Zimerman, le chopinien absolu !  qui donnent 

l'impression que plus c'est techniquement difficile, et plus ça 

devient simple ; et puis il y a les autres, dont Akiko Ebi fait 

partie, pour qui c'est quand même le contraire : ça tient tant que ça 

tient, et puis des fois ça s'écroule Il en va ainsi de la fin du 

scherzo, ou de l'étude op. 25 n° 5, la plus « rapide » de l'histoire 

(après deux gros cafouillages, elle est passée directement à la 

conclusion en sautant toute la plage lyrique du milieu) La coda de 

la ballade, par contre, était à peu près bien Un récital quand même 

sympathique.

On accueille ensuite Hüseyin Sermet, un Turc installé en France 

Cette fois-ci, la virtuosité est au rendez-vous, mais la technique me 

plaît moins : ça « glisse » souvent, il y a des « trucs », des 

effets Quant à l'interprétation, elle se veut manifestement inspirée 

et originale mais moi, j'ai plutôt du mal à suivre : la structure de 

la première ballade se délite au fur et à mesure, la seconde ballade 

erre quelque peu sans jamais trouver sa pulsation « naturelle » (ah 

Zimerman !), quant au premier scherzo, il tourne carrément au 

n'importe quoi C'est finalement l'étude op. 25 n° 7, qui ouvrait le 

récital, que j'ai préférée. À noter un bis plein d'humour : il 

s'approche de nous et déclare qu'étant donné que la première ballade 

a été dédiée à un certain Bodo Albrecht von Stockhausen, il va nous 

jouer le huitième Klavierstück de Karlheinz Stockhausen ! Ce qu'il 

fait, pas mal du tout d'ailleurs

Arrive enfin Abdel Rahman El Bacha (c'était ce soir-là un petit 

voyage en Orient  à défaut d'avoir été un vrai voyage en Pologne !) 

Il est presque minuit quand ça commence (on a pris un sérieux 

retard), et ça va encore être long, très long El Bacha a gagné le 

prestigieux concours Reine Élisabeth de Bruxelles en 1978 (à une 

époque où on ne jurait que par l'objectivité et la rigueur  syndrome 

Pollini !) Ça explique en partie sa présence presque constante sur la 

scène internationale depuis. Pourtant, on ne m'enlèvera pas de l'idée 

que cette victoire représentait une très sérieuse erreur de casting 

Car le jeu de ce Libanais est en vérité d'un ennui indescriptible ! 

Après avoir enregistré une intégrale Beethoven d'une rigidité toute 

militaire, il essaie aujourd'hui de se « décoincer » en jouant Chopin 

(dont il vient également d'enregistrer l'intégrale : comme il joue 

tout pareil, il n'arrive sans doute pas à choisir !) Nous avons donc 

eu droit aux préludes (Rudenko, au secours), puis à la seconde 

sonate (reviens !), et enfin en bis (car il fut à la fin presque 

acclamé : sans doute la délivrance !), à la barcarolle Peut-être un 

record mondial de platitude. Et le pire, c'est que les deux-trois 

fois où il a tenté de s'éloigner du métronome, on a senti 

immédiatement poindre un mauvais goût redoutable Passons

Ça ne fait à présent plus guère de doute : en cette fin de festival, 

depuis le départ de tous les « grands », la qualité de la 

programmation s'effondre à grande vitesse Connaissant déjà bien 

Pennetier et Ivaldi (ce ne sont pas les pires du reste, surtout 

Ivaldi), je me risque plutôt pour finir à aller écouter un dernier « 

inconnu », Jorge Moyano  un Portugais de cinquante ans, grand, 

maigre et un peu voûté 

Et ça commence par une « Vallée d'Obermann » (troisième fois !) qui 

vire carrément au naufrage Technique plus qu'aléatoire, trac 

insurmontable, il n'était même plus question de musique J'avais 

connu jusqu'alors la « souffrance » tout court (disons pour le 

compositeur)  je souffrais à présent clairement pour le pianiste 

Pire : le public à la fin, « douché », n'applaudit même pas ; et 

notre homme, évidemment, qui n'ose plus bouger, tétanisé Horrible ! 

Au moins vingt secondes, peut-être trente avant que quelqu'un n'ait 

le courage de débloquer la situation, et de délivrer ainsi notre 

pauvre pianiste. La scène a été violente ! Arrive ensuite la 

fantaisie de Schumann. Heureusement, le trac s'apaise un peu, et au 

moins, maintenant, les notes sont là Il « passe » tant bien que mal 

la fin redoutable du deuxième mouvement (de simple auditeur, je suis 

devenu supporter !) et, ainsi mis en confiance, il peut enfin 

commencer à faire un peu de musique dans le final Ça va mieux. Le 

public, qui s'est bien rendu compte du malaise, a cette fois-ci 

applaudi entre chaque mouvement

Après l'entracte nous attend la troisième de Brahms. Et assez vite, 

on est définitivement rassuré : les choses s'arrangent. Certes, la 

technique est plus proche de celle d'un grand amateur que de celles 

des « bêtes » qu'on a entendues précédemment. Certes encore, la 

sonorité est pauvre (il a choisi un Bösendorfer, comme tous ceux qui 

pensent que le son se trouve a priori davantage dans le piano que 

dans le pianiste) Mais il se passe quand même des choses. Ça devient 

même assez émouvant, car Moyano n'est finalement pas du tout dépourvu 

de musicalité. Il tente de plus en plus, et on l'écoute. Jusqu'à la 

fin. En bis, un Schumann peut-être un peu sentimental, mais que 

j'applaudis quand même vivement, et de très bon cur

En quittant les lieux, je réalise que je me suis finalement beaucoup 

moins ennuyé que la veille, et qu'en fait j'ai pris plus de plaisir 

lors de cette sonate de Brahms que pendant tout El Bacha et Paul 

Lewis réunis ; par ailleurs, pas de doute, tout ça m'avait nettement 

moins déprimé que le récital de Volodos Je tenais par conséquent ma 

fin de festival « optimiste » ! Car c'est ça aussi la musique : il 

n'y a pas que Lugansky, il y a aussi des Moyano (ce sont plutôt ceux 

qui se trouvent entre les deux qui me posent problème !) 

En conclusion, même si je n'ai pas tout entendu (manquent Grimaud, 

Vieru, Kocsis, Mustonen), je dirai que se détachent clairement un 

quatuor majeur, plus un pianiste à part. 

Le pianiste à part, c'est Nicholas Angelich. Voilà un véritable 

musicien, très personnel et qui, même s'il n'a pas tout à fait la 

technique des quatre autres, mérite assurément qu'on se déplace pour 

l'écouter. Je suis convaincu que celui-là aura toujours plus ou moins 

quelque chose à dire.

Le quatuor, lui, est évidemment composé des quatre géants russes : 

Sokolov, Berezovsky, Rudenko et Lugansky Pour schématiser, il y a 

deux purs classiques (Lugansky et Rudenko), un grand obsessionnel 

(Sokolov), et un « électron libre » (Berezovsky). Deux ont une 

technique absolument « naturelle » (Berezovsky et Rudenko), Lugansky 

a lui une technique « conquise », et Sokolov une technique « 

inventée », « reconstruite » Un éventail en vérité assez complet : 

de quoi satisfaire tout le monde !

À titre personnel, c'est sans doute le récital de Lugansky que je 

mets au sommet cette année (Mozart, Beethoven, Wagner) Mais les 

études de Chopin de Berezovsky, tout ce qu'a joué Rudenko, ainsi que 

le Haydn et le Prokofiev de Sokolov ne sont pas loin derrière. Et je 

n'oublie pas non plus la première Année de Pèlerinage d'Angelich 

Voilà qui fait beaucoup de merveilles  chacune absolument au-dessus 

de toute critique ! 

En tout cas, comme par chance ces cinq-là sont maintenant des 

habitués du festival, je pense que l'édition suivante devrait être 

digne de celle-ci (quand j'ai dit un soir à René Martin qu'il tenait 

là un sacré quatuor avec ces quatre Russes, et qu'il ne fallait 

surtout pas les laisser s'échapper, il a acquiescé dans un grand 

sourire) Cela ne doit cependant pas dissuader, bien sûr, d'aller 

écouter tout ce beau monde  et d'autres encore, car il en existe 

quelques autres : Zimerman, Koroliov, etc.  ailleurs pendant 

l'année.

CD: La Roque d'Antheron 2002

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